Trata sobre To Wai-cheung, un productor de cine que debe salir de Hong
Kong en dirección a China para buscar financiamiento para su película.
Esto significará hacer tratos con una mafia llamada Tyranossaurus, que
se dedican a las Guanxi (un término chino que significaría algo así como
“enchufes”) y le mostrarán el “sexo definitivo”. Pero le obligarán a
convencer a la estrella retirada de los 70, Susan Shaw a protagonizar el
remake de una película porno llamada “Darling, I want it too“.
Sinopsis Daniela es una chica de 17 años criada en el seno de una conservadora familia evangélica.
Dividida entre la culpa cristiana y su innata rebeldía, Daniela vive
una traumática noche de excesos que le traerá el castigo de sus padres y
su propio cuestionamiento existencial. En ese forzado paso a la
adultez, Daniela intentará redimirse frente a su tórrido pasado
adolescente, encontrando sin embargo, un nuevo obstáculo: la irrupción
de su primer amor homosexual.
El Festival Internacional de Cine de Berlín ha seleccionado dos films iberoamericanos en su avance de programación del apartado de películas para niños y adolescentes Berlinale Generation. En concreto, en el rubro Generation 14plus tendrá lugar el estreno mundial de la película mexicana de Gabriel Mariño "Un mundo secreto", y el europeo de "Joven y alocada" de la chilena Marialy Rivas.
Participó en septiembre del 2011 en el Cine en Construcción
Donostiarra, y en enero de 2012 salió galardonada por la película con el
mejor guion en el Festival de Sundance.1 El mismo año, gana el premio de cine homosexual en Festival Internacional de Cine de San Sebastián.
El misterioso y carismático Nikolai Luzhin (Viggo Mortensen), nacido en
Rusia, es el chófer de una de las familias más importantes del crimen
organizado de Europa Oriental. La familia pertenece a la hermandad
mafiosa Vory V Zakone. Encabezada por Semyon (Armin Mueller-Stahl), el
encantador dueño de un caro restaurante ruso que esconde una naturaleza
brutal y fría detrás de su sonrisa, la suerte de la familia se tambalea
por culpa de Kirill (Vincent Cassel), su alocado hijo, que hace más caso
a Nikolai que a su propio padre. Pero la cautelosa vida de Nikolai
cambia de golpe cuando conoce a Anna Khitrova (Naomi Watts), una
comadrona que trabaja en un hospital en el norte de Londres. Anna, muy
afectada por la muerte en el parto de una adolescente, decide buscar a
la familia de la chica basándose en el diario que la chica dejó escrito
en ruso. Helen (Sinéad Cusack), la madre de Anna, no la desalienta en su
empeño, pero su irascible tío Stepan (Jerzy Skolimowski), que también
nació en Rusia, le dice, con mucha razón, que se ande con cuidado. Al
escarbar en el diario, Anna desencadena involuntariamente la ira de los
Vory. Nikolai no tarda en verse atrapado entre su lealtad por Semyon y
el amor que siente por Anna. La familia le presiona, pero, ¿en quién
debe confiar? Varias vidas, la suya incluida, dependen de una cadena
construida a partir de asesinatos y engaños. La venganza se cierne sobre
la familia.
Los símbolos de tatuajes de la mafia rusa
Los presos rusos tienen un muy complejo símbolos de tatuajes que aportan
de la persona que los trae. No solo los símbolos, sino también el lugar
donde están hechos. Es todo un lenguaje que brinda mucha información
del individuo, y todo a través de los tatuajes.
El tatuaje de iniciación generalmente consiste en un diseño en el
pecho al que se le agrega una rosa. Los farsantes que tienen hecho uno
de estos sin pertenecer a la mafia generalmente son asesinados por la
hermandad, lo mismo con los ex miembros arrepentidos que se los borran.
Esta
mafia suele tatuar a la fuerza como castigo a sus miembros cuando estos
pierden alguna apuesta o tienen deudas. Generalmente estos tatuajes
tienen algún símbolo sexual para avergonzar a quien lo porta.
Los tatuajes en la frente son una advertencia que esa persona le ha
fallado al grupo y son una forma de humillación. También indican si la
persona es un soplón o si está presa por haber cometido violación (lo
que resulta muy ofensivo para los códigos de la mafia).
Las estrellas suelen tenerlas en la parte delantera de sus hombros y
en las rodillas. La cantidad de estrellas que tengan tatuadas y la
cantidad de puntas que tenga cada estrella representa muchas cosas, como
el lugar jerárquico que se ocupa en la mafia, cuánto están dispuestos a
dejar por ella, o la cantidad de personas a las que mataron.
Vemos como los tatuajes sirven perfectamente como símbolo de
pertenencia a un grupo. Y se puede opinar lo que quiera de las mafias,
pero hay que reconocer el fuerte vínculo que tienen como hermandad
(seguramente pronto continúe con tatuajes de esta mafia, porque la
verdad que me ha encantado todo este asunto).
Me gustaría explicarles el porqué de este código especial de símbolos de tatuajes que tienen sus miembros.
Aparentemente la explicación está en la biblia (recordemos que los
rusos en contra del régimen comunista, los primeros presos de la
revolución rusa que iban a parar a los "Gulags", eran en su mayoría
cristianos). Según el libro del Génesis, Dios puso una marca permanente
en Caín (el primer asesino) antes de enviarlo al exilio, quedando así
con una eterna señal de criminal y marginal.
Es por esto que gran parte de los símbolos usados por la mafia rusa
son religiosos. Como vimos, los tatuajes servían como sistema de
clasificación, y cada símbolo tenía un significado. A continuación te
explicamos este significado.
Un alambre de púas en la frente significa que el preso tiene cadena perpetua, sin posibilidad de libertad condicional.
Los dedos de la mano muestran una calavera por cada asesinato cometido por la persona.
Las
catedrales, iglesias, monasterios, castillos y este tipo de
construcciones representan la cantidad de años que ha sido encarcelada
la persona (cuantas más columnas y torres tiene el edificio más años han
transcurrido en prisión).
Si el preso tiene un tatuaje de telaraña o una araña es porque es adicto a las drogas.
Las
insignias militares muestran los logros del preso (como algo positivo):
si en medio de la insignia hay calaveras es porque su mérito es ser
asesinos, si tiene una cresta es porque el criminal ocupa un rango alto
en la mafia. Si tiene una insignia de las SS es porque el preso es
respetado por nunca haber delatado a nadie.
Cada punta de la estrella representa un año de prisión.
Los
gatos representan que el preso es ladrón (es un amuleto de buena
suerte). Un gato significa que el delincuente actuó solo, más gatos
significan que robaba en grupo.
Una puesta de sol con aves volando sobre el horizonte significan que la persona nació libre de hacer lo que quiera.
Este
brazo dice: "No me preocupo por las leyes de la Unión Soviética - las
únicas reglas que sigo son las que hago en mi cabeza. Muchas de las
personas aquí no tienen destino, pero no soy uno de ellos" (otra frase
muy popular es "Mi madre me enseñó a robar en las zonas industriales".
La cruz indica esclavitud, subordinación, y son un castigo, una sanción ante las transgresiones.
Se
calcula que hay entre 20 a 30 millones de tatuados solamente en las
prisiones rusas. Los tatuajes se hacen bajo condiciones precarias,
aplicado tinta hecha de orina, hollín y shampoo con agujas y máquinas de
afeitar eléctricas (algo bastante desagradable, por cierto). Es de
esperar que más de un delincuente se infecte o muera por estos
procedimientos.
Sinopsis: En la china del siglo XIX, las niñas de 7 años Snow Flower y Lily son marcadas como "laotong", es decir que estarán juntas por toda la eternidad. Pero sus familias las separan y ellas se inventan un lenguaje propio para comunicarse mediante escritura, llamado "Nu Shu".
Nos trasladamos al Shangai actual, donde las descendientes de las "laotang", Nina y Sophia, intentan mantener en secreto su amistad desde la infancia. Estudiando el pasado, las dos modernas muchachas entenderán su ancestral conexión, y la importancia de no perder nunca esa amistad que las une y unirá por siempre.
INFORMACIÓN
Fecha de estreno: 15 de Julio de 2011 Director: Wayne Wang Actores: Bingbing Li, Gianna Jun, Vivian Wu, Hugh Jackman
Los inspectores Kyung-yoon CHO y Eun-joo PARK han sido un dúo inseparable de policías desde su salida de la academia. Un día deciden hacerse cargo del caso de un joven rico asesinado que era propietario de un centro deportivo. La única pista es la sangre adherida en el cabello de la victima. Los dos inspectores deciden investigar a un instructor de natación que parece el principal sospechoso pero cuando dan con él muerto, descubren que ambas victimas habían cometido un acto vergonzoso en el ejército.
Bueno esta pelicula, para variar Coreana volvio a sorprender.
Encontre una Movie coreana Título original: 댄서의 순정 / Daenseo-ui Sunjeong
Título inglés: Innocent Steps Título español: Pasos inocentes
Poco me gusta la temática del baile, mas bien casi nada...
pero al igual que (Bailamos) (Sharu wi Dansu?) 1996 me ha dejado una buena sensación,
y esta película comprueba que no se necesita recurrir a los aliens y/o travestidos,
acomplejados con el calzón encima de mayas. Es una Historia que abarca muchos
temas de la realidad China/Coreana, Los matrimonios por ciudadanía, la Lealtad
de los que pensamos son amigos, la Mafia... Que no siempre, tiene que estar
acompañada de sicarios con sendas armas, el amor inesperado y el mismo baile
entre, otras tantas muchas cosas más si se quiere...
No pondré la sinopsis mejor, véanla.
Me quedo con el Tango
A estos pobres parece que les pica la cola... Y el vestuario: sin comentarios ¿Me pregunto? que pensara la Musulmana sentada en la banca.
Estos Rusos parecen robots, (El alumnado) pero es bueno aprender algo nuevo, sin importar hacer el ridiculo.
“Anjos do Sol” cuenta la historia de una niña de 12 años de edad, Maria, que, en el verano de 2002, en el interior de nordeste brasileño, es vendida por su familia a un reclutador de prostitutas. Comprada en una subasta de niñas vírgenes, Maria es enviada a un prostíbulo localizado en un pueblito, cerca de una mina, en la selva amazónica. Después de meses sufriendo abusos con otras niñas, Maria logra huir y cruza Brasil viajando a dedo, en camiones. Al llegar a su nuevo destino, Río de Janeiro, la prostitución se pone una vez más en su camino. Sus actitudes al enfrentar los nuevos desafíos son inesperadas y sorprendentes.
Amusement, película norteamericana dirigida por John Simpson, es una antología de historias terroríficas (tres en total), aparentemente independientes entre sí (al estilo del "Creepshow" de George A. Romero), cuyo tramo final se esfuerza en establecer un nexo común entre todas ellas. El hecho de que tres historias sin aparente relación confluyan en un único desenlace es, quizás, el punto más destacable –por su originalidad- de Amusement; una película, que por otro lado, dejará bastante insatisfechos a los aficionados más experimentados al cine de terror. En la primera de las historias, una joven pareja viaja en coche, de noche, por carreteras secundarias, y flanqueados por un par de tipos con los que forman “la caravana perfecta” ¿? Uno de esos tipos es un sospechoso camionero, con una misteriosa carga en su trailer. El otro, un tranquilo y simpático padre de familia conduciendo un utilitario. Los agujeros en el guión de esta primera historia, la peor parada en el cómputo final de la película, son del tamaño del camión que conduce uno de sus protagonistas. Una historia que tiene su razón de ser en un presunto conflicto de identidades que finalmente no es tal, ya que cualquier espectador un poquito avezado en el género descubrirá, con un mínimo esfuerzo y a la primera de cambio, quién es el verdadero criminal en todo este embrollo. Fallida. La primera en la frente. Parece una obviedad afirmar que la máscara decrépita y deforme de un payaso tiene el potencial suficiente para provocar miedo, o al menos inquietud (un servidor odia a los payasos). Pero dedicarle 20 minutos al plano fijo de un payaso amenazante sin tener nada más a lo que agarrarnos, me parece excesivo. Aún así, tampoco se trata de ser injustos. La segunda historia de Amusement, protagonizada por una improvisada babysitter (tras la misteriosa desaparición de la babysitter oficial) que debe pasar la noche cuidando de sus dos sobrinos y se ve asediada por un muñeco ataviado con las ropas y la máscara de un payaso, es la que mantiene un nivel más óptimo de suspense y horror. La fuerte presencia intimidatorio del payaso, el buen trabajo de la joven actriz protagonista(que también desempeñará un papel vital en el desenlace de la película), y un ritmo acertado en cuanto al desarrollo de la trama; convierten esta segunda historia en la más interesante –y rescatable- de Amusement. Para finalizar, una previsible y por momentos ridícula historia sobre un hostal cuyo propietario, dueño de una histérica y cargante risa, esconde un terrible secreto. Aburrida. Una vez finiquitadas las tres historias de rigor, John Simpson ejerce una pirueta mortal sobre el guión escrito por su colega Jake Wade Wall, para intentar que lo visto hasta el momento no caiga en saco roto. Recoge a las tres sufridas protagonistas, se saca de la chistera un villano común con ansias de venganza (aunque no se sabe muy bien de dónde le vienen esas ansías de venganza), e intenta redondear su propuesta con un desenlace tan rocambolesco como repleto de errores e incongruencias (el personaje de la despistada terapeuta es de los que son capaces, por sí solos, de echar por tierra cualquier guión). Se acabó. Me voy a dormir pensando que es importante redactar la reseña lo antes posible, en previsión de que Amusement desaparezca definitivamente de mi mente. Amusement tiene algún punto a su favor. El hecho de estructurarse en cuatro historias distintas, y que éstas tengan una duración muy ajustada, provoca que sea una película ágil, fácil de ver y de digerir. De consumo rápido y sencillo. A ello contribuye también un excelente acabado formal y la esforzada labor de sus protagonistas. El gran inconveniente que se le puede atribuir a una película como Amusement es que no arriesga en absoluto. Todo resulta demasiado pulcro, demasiado correcto; y lo peor de todo, demasiado previsible. Casi infantil. La capacidad que tiene Amusement para asustar o sobrecoger al espectador se identifica con una reunión de jovencitas exploradoras sentadas alrededor de un fuego durante la noche y explicando historias de terror que todas se conocen de memoria. Un bagaje insuficiente para todo aquel aficionado curtido al género de terror. Al espectador ocasional de cine de terror es posible que acabe gustándole (o al menos es posible que no le disguste del todo).
Genero:
Terror Pais: Thailandia Duracion: - mins Director: Ma-Deaw Chukiatsakwirakul
Guion: Ma-Deaw Chukiatsakwirakul, Eakasit Thairatana. Reparto: Krissada
Terrence, Achita Wuthinounsurasit, Sarunyu Wongkrachang, Nattapong Arunnate,
Alexander Rendel, Penpak Sirikul.
RESEÑA: En una sociedad llena de reality shows, en la que
cualquiera puede hacerse rico de repente, Phuchit Pungnatong, un vendedor de
instrumentos musicales, cree estar de suerte cuando le ofrecen la oportunidad
de ganar varios millones participando en un misterioso concurso...pobrecito, no
sabe lo que le espera.
CRITICA: Nuevamente los Thailandeses nos sorprenden y esta
vez con una película totalmente original en su planteamiento pero por sobre
todas las cosas entretenida y llena de sorpresas. 13 Beloved es la historia de
un hombre que tiene problemas económicos graves y esta apunto de quedarse sin
trabajo asi que en un momento el recibe una llamada desconocida proponiendole
un juego, 13 pruebas que deberá superar para ganar una cifra astronómica de dinero.
La tentación del muchacho lo llevara a completar estas 13 pruebas, cada una mas
desagradable que la otra y algunas ya de muy mal gusto, no les voy a adelantar
nada de esto pero si hay que decir que son muy interesantes.
La película luce de un desarrollo trepidante, las diferentes
pruebas irán movilizando al personaje por toda la ciudad y esta vertiginosidad
convierten a 13 Beloved casi en una droga porque en cada prueba finalizada nos
inunda la curiosidad de cual puede ser la siguiente, las ocurrencias de este
Reality no pararan de sorprendernos. 13 Beloved también vendrá cargadito de un
humor negro de bastante buen gusto, el personaje principal da pie para ello, y
en ningún momento se pasa de revoluciones al incluirlo, los momentos de
adrenalina, de emoción y de humor, todo esta en un perfecto equilibrio y no se
desubica, aportando a la cinta de una frescura y picardia admirable.
No todas las pruebas son geniales, algunas son mas
impactantes que otras y la película sufre de algunos altibajos menores pero lo
que hace subir bastante la nota a 13 Beloved es el desenlace, muy sorprendente
e impredecible, son esos finales Saw que le pegan un cachetazo virtual al
espectador pero no por ser malo sino todo lo contrario y mas.
La película esta bastante bien dirigida, tiene unos planos
interesantes, edición buena pero sobretodo el buen ojo para ofrecer una
película vertiginosa, con sus toques de humor y que sea muy amena de ver.
Las actuaciones cumplen mucho, el trabajo de Ma-Deaw
Chukiatsakwirakul como protagonista es muy bueno aunque pienso que cualquiera
en su lugar podría haberlo echo también muy bien, el personaje ya es atractivo
para esta historia pero dudo que lo sea para otra ¿me explico? el personaje es
bastante retraído y no se ven muchos matices en el, el resto del reparto
también esta perfecto.
13 Beloved es una película imperdible y viene a dejar en
claro que Thailandia es el actual rey de este genero.
SSSSSiiiii ya hace bastante que la vi pero a veces olvido títulos
aquí esta Me encanto esta súper mega shingona véanla.
Natalia, una niña que crece durante los años 80 bajo la influencia de la telenovela Cristal y la película “Flashdance” en la lejana y pequeña ciudad de Tacuarembó (Uruguay), descubre que ser coronada Miss Tacuarembó es su única oportunidad de dejar atrás su aburrido pueblo natal y emigrar a una gran ciudad donde poder convertirse en una estrella; sin embargo, su vida adulta cantado para los turistas que llegan a Tierra Santa, un parque temático dedicado a Cristo en Buenos Aires, está aún muy lejos de lo que siempre soñó.
Solo diré... No me gustan las Musicales pero esta fue la excepción,
historia divertida y con mucho para reflexionar.
"Cuidado. Nunca sé lo que voy a cortar. No puedo ver".
Con esta advertencia da comienzo Ichi, la versión femenina de Zatoichi, el solitario espadachín ciego que surgiera de la pluma del escritor Kan Shimozawa y que ha acabado convertido en uno de los héroes más populares de la cinematografía japonesa. SORI, especialista de los efectos visuales y director de la exitosa "Vexille", es el encargado de narrar el viaje de esta cantante ciega, de gélida belleza y experta en el uso de la espada, que recorre Japón en busca de su maestro. Y lo hace con inusual tempo, atento al detalle y arrullado por la celestial voz de Lisa Gerrard.
Santa sangre (1989) es una película de coproducción italo—mexicana. Producida por el hermano del icono de la cinematografía de horror de bajo presupuesto Claudio Argento. Dirigida y escrita por Alejandro Jodorowsky.
Los hechos del film son los siguientes: Fénix es un niño que vive en un circo junto a sus padres, Orgo, lanzador de cuchillos y dueño del espectáculo y Concha, equilibrista y líder de una secta religiosa que adora a una colegiala mártir de brazos amputados. En una de las actuaciones, esta descubre a su marido retozando con la voluptuosa mujer tatuada y los agrede, a lo que Orgo responde cortándole los brazos y abriéndose la garganta acto seguido. Fénix es testigo de la sangrienta escena y tiene que añadir a su trauma que la mujer tatuada huya con su hija Alma, niña sordomuda de la que estaba enamorado.
Es llevado a un manicomio y permanece en un estado de mutismo absoluto hasta que aparece su madre, siendo ya un joven, con la que huye. Concha dominará a su hijo de manera enfermiza -los brazos del joven se convierten en los suyos, en una actuación circense y cotidiana- y le obligará a asesinar a las mujeres por las que se siente atraído.
Aparentemente, Santa sangre es una fábula sobre la búsqueda de la identidad personal, simbolizada en el amor perdido, Alma (nombre bastante clarificador), a la que se opone el control de Concha, que vampiriza y anula la personalidad del hijo y que éste trata de romper a través de las mujeres de las que se enamora.
En conclusión, una obra maestra de Alejandro Jodorowsky según la crítica. Una extraordinaria experiencia visual. Bailes, frutas, drogas, hemoglobina y mucho surrealismo conforman este universo enfermizamente pavoroso.
La acción nos situa en la frontera germano-belga, a finales de 1944. Un grupo de exhustos soldados alemanes, huyendo de las fuerzas aliadas, llegan a un búnker subterráneo ocupado únicamente por un viejo reservista y un adolescente, y se refugían en él. Pronto, comienzan a notar que algo extraño y maléfico flota en el ambiente del bunker mientras la tensión, el miedo y la desconfianza mutua van creciendo entre ellos.
Curiosa mezcla de generos, el bélico y el sobrenatural, algo que solo recientemente se había dado en otra película "Deathwatch" ambientada en las trincheras de la I GM. En principio, la idea que plantea "El Bunker" es atractiva, dado que la atmósfera opresiva y la tensión de un grupo de hombres acechados desde el exterior por las tropas enemigas y atrapados en un espacio claustrofóbico capta el interés inicial del espectador. Lamentablemente, tras un arranque bueno, la película se va diluyendo porque la trama no sabe desarrollar ni conjugar adecuadamente la variedad de temas que plantea. Vemos que los protagonistas se van viendo progresivamente dominados por la locura y miedo, pero sin nada que lo explique realmente. La historia sobrenatural flojea porque no acaba de sintonizar bien con el argumento principal, y ese difuso juego que hace el film alternando entre la posible trama sobrenatural y la natural no es nada convincente. Como tampoco lo es el final, en mi opinión demasiado forzado y "peliculero".
Por lo demás, las actuaciones de los actores se dejan ver, la ambientación es más que decente, y la atmósfera del Bunker está bien lograda, hay que admitirlo (en especial los uniformes variopintos y raidos de los alemanes, el armamento y el atrezzo). Quizás con un guión un poco más elaborado e inteligente esta película habría dado mucho más de sí. De cualquier modo el producto final de "El Bunker" resulta fallido, aunque no del todo malo.
(Joheunnom nabbeunnom isanghannom). Kim-Jee-woon, Corea del Sur, 2008
Por Arantxa Acosta
Sergio Leone fue el gran maestro del mal llamado 'spaghetti western', calificativo despectivo con el que el western europeo (básicamente italiano y español) fue denominado por la crítica e industria del momento (era una forma de ensalzar el cine del género americano de John Ford). Caracterizado por una estética sucia y unos arrogantes personajes lejos de ganarse nuestra empatía, diálogos muy cortos y escenas muy largas, el spaghetti western tuvo sus años de gloria en las décadas de los sesenta y setenta.
No obstante, Leone obtuvo el reconocimiento de crítica y público con una contribución al género que no podía considerarse inferior. Gran parte de su éxito la ganó gracias a la Trilogía del dólar, cuyo hilo conductor se centra en disponer de un mismo personaje principal (un joven Clint Eastwood que fue catapultado a la fama), ataviado siempre con el mismo sombrero y poncho mexicano, y una música que se convertiría en estandarte del género, brillantemente compuesta por Ennio Morricone. La trilogía la componen tres de las mejores películas rodadas durante las dos décadas: Por un puñado de dólares (1964), basada en Yogimbo (Akira Kurosawa, 1962); La muerte tenía un precio (1965) y El bueno, el feo y el malo (1966), considerada la mejor de la trilogía (que no la de género, de Leone, atribuida a Hasta que llegó su hora, 1968).
¿Y por qué toda esta introducción? Porque no podíamos empezar a hablar de El bueno, el malo, el raro sin hacer este especial homenaje/recuerdo al gran Sergio Leone, considerando que es lo mismo que ha querido hacer Kim Jee-woon con su film...
Tal y como se puede intuir por el título, el director quiso hacer su propia versión del famoso western, dotándole de elementos propios -más modernos- que aportan una frescura y ritmo básicos para que los jóvenes espectadores de hoy se suban al carro del western... y lo consiguió, con creces, además. El bueno, el malo, el raro fue número uno la taquilla de su país (Corea del Sur) durante semanas, además de conseguir en nuestro país el premio al mejor largometraje y efectos especiales en el Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Sitges en 2008 -no en 2009 como reza su publicidad. Y es que de todos es conocido que, desde que presentó Dos hermanas en 2003, es uno de los directores con más empuje del Festival -con permiso de Takashi Miike, claro.
El formato del film es similar al original: con primerísimos planos de los personajes, combinados con espaciosos paisajes de desiertos en los que destacan tonos tierra muy exagerados y que nos hacen sentir el calor y hastío que sufren sus protagonistas, nos encontramos al bueno, al malo (un Byung-hun Lee que ya puede considerarse el actor fetiche de Jee-woon) y, en este caso, dando el tono de humor imposible de ser desligado de un film asiático, el raro. La base del argumento es exacta, también, al original: tres personajes en busca de un tesoro escondido. En este caso, no obstante, la acción se sitúa en plenos años treinta, en una Manchuria invadida por los japoneses (en la original se trata de la guerra civil estadounidense), y se completa la búsqueda del tesoro, ubicado ahora en pleno desierto y no un cementerio -al ver el film nos percatamos del porqué- con la necesidad de apoderarse de un misterioso mapa en el que se describe claramente cómo llegar hasta él. Así, Kim Jee-woon puede introducir a todos los personajes desde el inicio, con una increíble secuencia de atraco a un tren por la que sólo por ella -y la presentación inicial del águila sobrevolando las vías- ya vale la pena fijarse en este film.
Tras presentar el famoso mapa, El bueno, el malo, el raro se convierte en una galopante carrera/persecución de todos contra todos, ejército japonés incluido, hasta llegar al desenlace, en el que, cómo no, vuelve a hacer referencia al clásico de Leone con el magistral duelo en triángulo (en su momento, más que sorprendente, y años después homenajeada también por Tarantino en Reservoir Dogs, 1992).
La única pega que puede ponerse al film de Kim Jee-woon es que alarga demasiado la persecución, pudiendo recortarse unos veinte minutos de metraje sin que la trama sufra. Aún así, mantiene muy bien la atención gracias a una trepidante acción que no repite la fórmula en ninguno de sus momentos, siendo así igualmente agradable y entretenida. Un western inusual dotado de los mejores elementos del género original, que nos ha recordado también a la última incursión del también famoso Zhang Yimou en el género -con toques más que propios- con su película Sangre fácil de Zhang Yimou (2009), presentada Sitges 2010, donde paisajes y personajes pasados de vueltas son elemento común con la película de Kim Jee-woon.
Todo un lujo que este director apostase a realizar este remake libre de El bueno, el feo y el malo, plasmando su saber hacer propio (si algo puede decirse ya de este polifacético director es que es un maestro del suspense y las escenas de acción, aunque en ésta que presenta ahora se dedique básicamente a lo segundo) y haciéndonos olvidar comparaciones odiosas con la original -cosa loable de por sí. Recomendable para amantes del western, en general, y del director, en particular, donde encontrarán una faceta poco propia de un autor que nos tiene más acostumbrados a pasar absoluto terror con thrillers del estilo como el ya comentado, Dos hermanas, o el que debería estar a punto de estrenarse -o al menos eso esperamos- I saw the devil, cine en mayúsculas.
Festival y galardones:
Festival de Sitges 2008. Premio Mejor director: Kim Jee-woon.
Zen es una chica autista, fanática del chocolate y las películas de acción. Vive tranquila con su madre y su primo, en una humilde casa, ganando algo de dinero en las calles poniendo a prueba sus reflejos. Pero un día esa tranquilidad termina, su madre inicia un tratamiento contra el cáncer que la aqueja, separándose de Zen y llenándola de preocupación por los evidentes problemas de dinero que tienen. Entonces ella y su primo saldrán en busca de los antiguos deudores de su madre, escritos en una vieja libreta. Uno a uno, pagarán al conocer la fuerza de Zen y sus habilidades marciales aprendidas por televisión. Pero lo que nuestra protagonista desconoce, es que esos deudores pertenecen a la época gangster de su madre, y que su antiguo jefe, el rey de la mafia tailandesa, está deseoso por un reencuentro.
Yo opino: Siendo del mismo director que lanzó a la fama a Tony Jaa, pues está demás decir que aquí la historia y la calidad interpretativa son lo de menos, todo gira en favor de mostrar las increíbles habilidades de Jeeja Yanin para las artes marciales. Y en esa misión, claro que tienen éxito. Son cuatro las escenas de acción que conforman esta película, todas coreografiadas con un humor y tenacidad que recuerdan a las mejores épocas de Jackie Chan, además de un clímax final de más de media hora de patadas aéreas y golpes de katana. Son esas escenas las que sostienen toda la película, pero igual hay ciertas secuencias dramáticas que vale la pena mencionar, como el momento en que Zen descubre que su madre se está quedando sin pelo. Y aunque la banda sonora casi ni se nota, cuenta con algunas canciones que me gustaron bastante, como la que se oye mientras vemos a Zen creciendo y cuando enfrenta su miedo a las moscas.
Homenajes: Zen memorizó los mejores movimientos de sus ídolos del cine de artes marciales, es así como podemos encontrar pequeñas referencias a ellos. Tenemos la segunda escena de acción, en una fábrica de hielo, homenaje a una escena que Bruce Lee tenía en el mismo lugar. Creo que es El Gran Jefe, corríjanme si me equivoco. Algunos dicen que Zen recordó esta película y fue por eso que comenzó a pelear con esos gritos y esas expresiones. Otro guiño a un grande, es la forma que tiene Zen de comer chocolates, igual a la que tenía Jackie Chan para comer sus quesitos en La Armadura de Dios. También dicen que hay un homenaje a Jet Li, pero no sé identificarlo bien ¿Será por la forma en la que Zen pelea utilizando una vara? Un homenaje sin vergüenza alguna es la que se hace a Tony Jaa y todas sus películas con este director. Aquí podemos ver a nuestra protagonista viendo Ong Bak y El Protector en la televisión ¿Por qué no pusieron una de Bruce Lee también, si se hace una referencia tan clara a él?
En fin, comedia, muay thai, y mucho chocolate. Altamente recomendable para los amantes de la acción.
Varsovia, Diciembre de 1942. Cuando una prostituta que trabajaba para los alemanes aparece salvajemente asesinada, el Mayor Grau (Omar Shariff) recibe el encargo de investigar el crimen. Grau descubre por un testigo que el asesino es un general alemán, lo que reduce el círculo a tres posibles sospechosos: el general Seidlyltz-Gabler al mando de la guarnición de Varsovia, su ayudante el general Kahlenberg, y por último el General Tanz (Peter O´Toole), un nazi fanático llegado a Varsovia al mando de la división panzer de la SS Nibelungen con la misión de aplastar a los grupos de la resistencia polaca. Pese a los vaivenes de la guerra, el mayor Grau, decidido a esclarecer el asesinato, continuará la investigación incluso a costa de enfrentarse a sus superiores.
Puede afirmarse que “La noche de los generales” es una de las películas más atípicas que se hayan producido dentro del género bélico; tanto por su inusitada densidad argumental, como por su insólita variedad temática. En ese sentido, estamos ante un film que combina elementos típicos del cine bélico, con otros propios del thriller policiaco, mostrando una investigación que se prolonga a lo largo de más de dos décadas; todo ello aderezado con una subtrama romántica de fondo. De esta forma, partiendo del crimen que sirve de punto de partida argumental, la película abarca varias lineas narrativas, con la investigación del Mayor Grau como leiv motiv central, investigación que se vera imbricada con la conspiración del atentado contra Hitler del 20 de julio de 1944.
El principal problema que lastra la película es que esta no logra encajar bien todas las lineas argumentales que plantea, principalmente porque no termina de centrarse plenamente en ninguna de ellas. En primer lugar, la investigación del mayor Grau -que se supone el eje central de la narración- resulta en conjunto bastante anodina, y queda más bien en un segundo plano durante gran parte del metraje. Por otro lado, tampoco la parte bélica resulta esencial, de modo que la película gira más en torno al personaje del General Tanz, que viene a ser la figura central de la historia, cobrando una relevancia desmedida dentro de la misma. A esto se le une el hecho de que la narración resulta un tanto confusa, al ir saltando de una línea narrativa a otra, lo cual impide que el espectador se enganche realmente a la historia. Además, el romance que se introduce a propósito del romance que surge entre dos personajes secundarios como el cabo Hartman y la hija del General Gabler, no aporta nada argumentalmente relevante y bien podía haberse suprimido sin mermar la historia principal.
Pese a ello, hay que reconocer que el film es destacable en varios aspectos. El primero de ellos es el de contar con un reparto estelar plagado de buenos actores: Peter O´Toole, Omar Sharif, Donald Pleasance, Christopher Plummer… etc. De los actores principales, O´Toole, pese a mostrar un punto de sobreactuación en más de un momento, compone un buen personaje como Tanz, mientras que Sharif en el papel de Grau demuestra su oficio si bien opino que físicamente no da el tipo de oficial alemán por motivos obvios. Por añadidura, el film tiene la buena factura y el innegable regusto artesanal típico de las producciones de los años 60, destacando la cuidada ambientación y puesta en escena, especialmente destacable en la recreación de los combates callejeros en Varsovia, donde, por cierto, los tanques alemanes están convenientemente “maquillados” para parecer auténticos Tigers, lo cual es todo un detalle.
En definitiva, “La noche de los generales” es una buena película, de esmerada factura y con un gran reparto, pero que dista de ser redonda, principalmente porque no termina de desarrollar suficientemente ninguno de los temas que apunta y porque todas las piezas del guión no quedan bien encajadas al final. Pese a ello, es un film aun estimable hoy dia.
Un thriller diferente que atrapa al espectador de principio a fin por un ritmo trepidante, buenas actuaciones, unos personajes dispares y bien trabajados y un elemento distinto como es, la presencia de un enemigo criminal de cuatro patas.
Howling, es la historia de dos policias, un agente maduro, divorciado y desesperado por un ascenso, con dos hijos a cuestas que ve en un asesinato producido por una combustión espontanea la posibilidad de lograr el anhelado aumento pero para ello, tiene que hacerse de una novel detective, también divorciada que lo ayudara a desenredar un enredadisimo complot de venganza y asesinatos que implican a un lobezno, pederastas y a otros elementos que no pueden develarse para no afectar la trama de la cinta.
Protagonizada por el siempre excelente Kang-ho Song y una joven y bella, pero también talentosa Na-yeong Lee conforman el duo actoral que da vida a este interesante y bien elaborado thriller que nos inmiscuye en la ocurrencia policial de una cadena de asesinatos que tienen como protagonista principal a un asesino diferente que, por motivaciones humanas, es utilizado para infringir castigo de una manera silenciosa y casi perfecta, en donde la inteligencia y la sapiencia de este duo de personajes desenredara la madeja de un guión bien trabajado.
Una pelicula con mucho de la vena detectivesca del cine coreano, con mucho de Buddy Movie mezclado con el genero del suspenso, una cinta que entretiene y hasta podemos decir que es una buena pelicula en la que en todo momento su desarrollo no nos deja pegados al asiento en cuanto a la tensión pero se maneja dentro de las convenciones de su historia.
En resumen, para ver una tarde de domingo, entretenida y bien elaborada que de hecho, es uno de los trabajos actorales mas planos de Kang-ho, acostumbrado darnos personajes de una profundidad distinta sin que por ello sea una mala actuación, en una cinta que sobrepasa lo regular.
Un asteroide llamado Matilda se encuentra en curso de colisión con la Tierra y sólo queda un par de semanas antes de que el mundo llegue a su final. No hay nada que se pueda hacer para evitarlo y todo el mundo comienza a tomar las decisiones que le parecen más acertadas. Así que Dodge se dispone a reencontrar al amor que alguna vez, cuando era joven, se le escapó de las manos. En su estrafalaria misión contará con la ayuda de Penny, una extraña que también debe terminar su propia historia. La unión de sus horas finales los llevará a descubrir algo que no estaban buscando.
Una peli, que parece ser, como tantas otras y sorprende bien hay excepciones en el cine gringo.
Para quienes hubieran concluido que la maestría del director chino Zhang Yimou (Levanta la linterna roja, Esposas y concubinas) había dado ya el paso definitivo a la comercialización y a la rutina del cine de artes marciales, la cinta más reciente, La maldición de la flor dorada, ofrece una sorpresa estupenda. Persisten en ella, por supuesto, el gusto por la espectacularidad y los decorados suntuosos, y no escasean las embestidas acrobáticas de ninjas invencibles, pero esta vez el director presta una atención mayor al melodrama y a una narración con desenlaces trágicos, muy inspirada en el modelo shakesperiano. Ambientada en el siglo X chino, durante la dinastía Tang, respetando en lo esencial un trasfondo histórico de luchas por el poder y añadiendo fasto y elegancia en un delirio cromático, el también creador de Héroe presenta, como atractivo central, el regreso a su cine de su antigua actriz favorita, Gong Li, quien interpreta el papel de la emperatriz Fénix lentamente envenenada por su marido, el temible monarca Ping (Chow Yun-Fat, El tigre y dragón).
Desde las primeras escenas, Zhang Yimou remite a los ceremoniales rigurosos de la Ciudad Prohibida, con un ejército de doncellas atentas a la menor exigencia de la emperatriz tiránica y ancianos que recorren la ciudad anunciando el nuevo día o la caída del crepúsculo; también, con los primeros signos de desfallecimiento de la bella Fénix, incapaz de vencer una anemia que anticipa una degradación física casi mortal. Hay una historia de venganza imperial que el espectador irá desentrañando lentamente, marcada por el melodrama familiar más desbordado: rencores inconfesables, sospecha de incesto, sordas rivalidades en la lucha por el poder, intrigas palaciegas. La emperatriz Fénix desprecia a su marido, de estirpe menos noble que la suya, y con quien ha concebido dos hijos. El primer hijo de aquél, el príncipe Wan, fruto de un antiguo matrimonio, manifiesta una pasión incontrolable por su bella madrastra. Esta incontinencia precipitará el drama y avivará los apetitos de venganza.
Una vez presentados los elementos básicos de la trama, el espectador podrá abandonarse al disfrute de un espectáculo singular. Zhang Yimou no parece detenerse ante nada, no temer ni lo inverosímil ni lo excesivo, y por momentos sus decorados lindan en lo kitsch por su preciosismo de jardín encantado. En realidad, el mundo refinado de la corte es sólo un contrapunto de la turbiedad y corrupción moral de casi todos los personajes. Es imposible simpatizar con algún miembro de esta familia real, tan disfuncional, tan arrogante y tan cercana al desvarío mental. Alejado de la sobriedad visual y de la contención narrativa del japonés Akira Kurosawa y su relectura de la tragedia shakesperiana que es Trono de sangre, el propósito de Zhang Yimou es encaminar toda su historia a un enfrentamiento final entre los ejércitos (con efectos especiales computarizados), y a sus ingeniosas estrategias de combate, en una épica realmente deslumbrante. Un ejército agresor se asemeja por sus armaduras relucientes, al campo mismo de crisantemos amarillos sobre el que está combatiendo; la sangre derramada tiñe las flores en un alarde de rebuscamiento artístico. La forma pudiera anegar por completo el contenido, reducirlo a mera anécdota intrascendente, de no ser porque a este melodrama familiar, a este culebrón indescriptible, lo animan vigorosamente dos figuras de primer orden. Gong Li concentra en su mirada y sus actitudes cambiantes todo su carácter imperioso, mientras Yun-Fat semeja un ser fantástico en las metamorfosis que con brío impone a su personaje. La maldición de la flor dorada es el refinamiento artístico vuelto espectáculo. Un entretenimiento muy por encima de la rutina hollywoodense.
Las Navidades pasadas, la emergente industria cinematográfica oriental ha desembarcado con tres proyectos de alto coste buscando prometer diversión al espectador: "The Promise" en China, "Yamato" en Japón, "A Chinese Tall Story" en Hong Kong. Grandes presupuestos que no han escatimado en el apartado musical, hasta el punto de acudir Chen Kaige a un compositor occidental, Klaus Badelt en la primera, y los responsables de las otras dos al mas conocido y exportable músico del continente, Joe Hisaishi.
"A Chinese Tall Story” haciendo gala a su nombre es lo que desde generaciones pretéritas conocemos como "un cuento chino". Una historia fantástica que hábilmente ha sabido conjugar elementos de ficción real con diseños gráficos de última generación y efectos digitales y animados por doquier. Su argumento gira alrededor de Tripitaka, un monje que con tres de sus discípulos llega convertido en héroe a la ciudad de Shache. La captura de los mismos por parte del diablo de los espíritus del Árbol provocará que Tripitaka idee un plan para su liberación, un camino rodeado de monstruos y criaturas desconocidas donde contará con la ayuda de Meiyan una joven con apariencia de lagarto que caerá enamorada del monje.
Lo cierto es que el maestro Hisaishi lleva para mi gusto una temporada donde no es capaz de aunar el excelso manejo de las cuerdas y el piano con elementos electrónicos, como nos tenía acostumbrados en los trabajos realizados junto al genio de la animación Hayao Miyazaki ("Princess Mononoke", "Nausicaa", "Spirited Away") o al poeta urbano Takeshi Kitano ("Hana-Bi", "Kids Return" o esa obra maestra que es "Kikujiro´s Summer"). Con una indudable capacidad melódica que le ha convertido en uno de los compositores mas interesantes del momento, sus últimos proyectos, el algo desabrido "Welcome to Dongmakgol", su experimento en la dirección con "4th Movement", e incluso, aunque en menor medida, su última experiencia con Miyazaki "Howl´s Moving Castle", demuestran su indudable calidad musical pero atendiendo a cierto abuso de clichés o formas aplicadas anteriormente en su filmografía.
En "A Chinese Tall Story" nos enfrentamos a un trabajo sinfónico de primera magnitud, donde el maestro nipón realiza un insólito despliegue al metal para un filme que musicalmente se mueve entre géneros, pero que, porqué no decirlo, adolece de cierto esquematismo. Hisaishi se apoya en un maravilloso tema central de amor (deudor del "Ashitaka and San" para "Princess Mononoke") que entrega a la cuerda y al piano. Presentado en la canción de créditos ("Sacred Love"), interpretada por los actores Nicholas Tse y Charlene Choi con arreglos pop, el tema arrastra el cuerpo sonoro del score hacia ámbitos épico-románticos. La habilidad del maestro nipón radica en la introducción del mismo sobre variaciones delicadas y suntuosas donde un instrumento lleva el peso narrativo de la melodía: el piano en "Prologue", la flauta en "Lover´s Gambit", el erhu en las maravillosas "Longing For You" y "I Know".
El otro punto de máximo interés de la edición se centra en las marchas y cortes épicos con los que Hisaishi maneja la aventura. Una desaprovechada y gloriosa melodía repleta de epicidad emerge al final del corte "Words Are Lethal", reapareciendo brevemente al inicio de "Rout of the Four Heavenly Knights", corte que deriva tras un pasaje mágico con empleo de arpegios en un tema rítmico de marcado tono étnico, secundado por la percusión. La percusión, agreste y tensa, se convierte en otro de los elementos sobre los que Hisaishi forja el diálogo contrapuntista que le permite saltar de un género a otro, enfrentando la acción hostil con "Dogfight Over Shache", "Storming of the Celestial Court", "The Triumphant Entrance" y "Capitulation", al misterio ("Alien Invasion"), la comedia ("Words Are Lethal", "Yours Truly, Tripitaka") o el drama sobrenatural ("Divine Manifestation").
Como indicaba anteriormente, el universal dogma de una trama de aventuras que se precie, la eterna lucha del bien contra el mal, es reflejado por Hisaishi con la introducción de dos marchas. Una oscura con rotundo empleo del metal frente a otra mas épica y rítmica en el uso de ritmos sincopados. Ambas dialogan con brusquedad durante el corte "Help Is on the Way" y son aplicadas con un sorprendente acompañamiento de batería y guitarra eléctrica en el desconcertante pero animoso "Annihilation of the Tree Spirit".
Capítulo aparte merece la edición limitada puesta a la venta y disponible en tiendas online asiáticas (playasia y yesasia disponen de la misma): una caja rectangular de atrayente diseño que una vez abierta despliega siete recortables adhesivos de los protagonistas de la historia, acompañando el score y un iVCD con completa información de la película (fotos, trailers, videoclips, juegos…..), todo ello por un precio que ronda los 15 euros.
Sin duda Joe Hisaishi vuelve a ofrecernos un magnífico despliegue sinfónico, donde ayuda la mas que correcta interpretación de la China Philarmonic Orchestra; pero a uno, que quieren que les diga, le apetecería reencontrarse con el compositor intimista que hace no mucho tiempo era capaz de ofrecernos odas poéticas para tres instrumentos, con una capacidad de síntesis equivalente a ensayos de 600 páginas.
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